Monophona - Girls on Bikes Boys Who Sing: binari paralleli

(Recensione di Girls on Bikes Boys Who Sing dei Monophona)

La musica è sognare, aprendo le porte ad un mondo idealizzato, un mondo che si trova ad anni luce dalla nostra realtà. La musica è uno sforzo immenso, perché la musica non si limita a raccontare il mondo, quello ideale o quello reale, ma cerca anche di fare capire che le cose possono essere molto diverse di come sono. Se il mondo assomigliasse di più alla musica sicuramente vivremmo molto meglio, più felici, più compressi, più tolleranti.

Il terzo disco dei lussemburghesi Monophona nasce da una consapevolezza molto interessante, cioè che il mondo che viviamo in questo 2017 è molto diverso da quello che poteva immaginarsi ogni componente della band quando era piccolo. Forse può sembrare qualcosa di forzato, o di troppo scontato ma se ci mettiamo a pensare, a visualizzare quello che siamo stati e quello che siamo credo che questa riflessione non solo diventa assolutamente valida ma è anche molto interessante. Per quello, nel loro particolare modo d'interpretare la musica, Girls on Bikes Boys Who Sing è un disco rabbioso, un disco che va a prendere l'acido come idea musicale arrivando ad esaltare questo concetto. E' un lavoro bello ed interessante perché anche se questi sono gli impulsi che mettono in moto quest'intero lavoro tutto diventa personale, elegante e molto ben pensato. E' un lavoro di testa, d'intelligenza, uno di quei lavori assolutamente personali ma che lascia un segno. Torno a ripetere, come già affermato altre volte, che il disco più impattante non è quello che urla di più ma bensì quello che riesce attraverso l'arte a raccontare un punto di vista, un modo di vedere le cose, una sensazione, un pensiero, un'idea che nasce piccola e cresce a dismisura. 

Viene detto che quello che è suonato dai Monophona sia un electro indie con molte sembianze di trip hop. Come al solito credo che le definizioni siano riduttive ed aiutino soltanto a capire qual è la direzione che può prendere un album, ma è poi l'ascolto quello che fa l'effettiva differenza. Nel caso di Girls on Bikes Boys Who Sing indubbiamente la mescola tra acustico ed elettronica, tra analogico e digitale è alla radice del risultato finale di quello che possiamo ascoltare. Ma non si tratta soltanto di quello, anzi, la strada che ciascuno sceglie per cercare di esprimersi al meglio è solo una conseguenza di quello che si cerca di raccontare e del momento particolare che si attraversa. Con questo voglio dire che non so se è fattibile pensare che con una formazione diversa e degli elementi sonori diversi la musica della band sarebbe diversa, credo che la risposta rimane sospesa a metà. Qualcosa cambierebbe ma molte altre rimarrebbero esattamente come possiamo apprezzarle in questo lavoro. E la giustificazione a tutto ciò sta nell'idea che è alla genesi di questo lavoro, alla voglia di raccontare un mondo che ci sta sfuggendo dal controllo dal punto di vista di tre musicisti che vorrebbero tutta un'altra realtà. 

Non c'è niente come il conflitto. Dove c'è conflitto c'è tensione, c'è la disperata ricerca di una soluzione o di una risoluzione. Questo Girls on Bikes Boys Who Sing è pieno di conflitto, di voglia di smuovere le acque perché si prenda coscienza di quello che non va nel nostro mondo. I Monophona non hanno bisogno di urlare, non hanno bisogno di essere cattivi ma il loro messaggio arriva lo stesso diretto, intenso e saggio. C'è la nostalgia in ogni linea di chitarra, c'è una dose di acidità in ogni base elettronica, c'è un profondo sentimento in ogni parola cantata, perché l'idea è quella di lasciare una traccia e così è.

Tre brani che indicano molto bene quale sia la direzione voluta dalla band con questo disco sono:

Courage, brano d'apertura del lavoro che fa capire subito qual è il mood che accompagna l'intero lavoro. Per quello la chitarra è malinconica, la voce particolare, che regala un timbro unico, sembra quasi sussurrare le parole senza per quello perdere effettività. L'elettronica diventa un modo di condire tutto quanto.

Tick of a Clock è invece rabbioso, potrebbe sembrare il brano più spinto dell'intero lavoro ma la sua grazia sta nella sua capacità di andare da una parte all'altra con calma, con la consapevolezza che la voce urlata deve entrare solo in certi punti, e che dopo ci deve essere, per forza, il respiro. 

The Benefit of the Doubt ha invece un sapore molto più elettronico, è il trionfo del digitale sull'analogico ma dando ancora più grandezza al discorso musicale della band. E' un brano bellissimo, una di quelle canzoni che potrebbero essere usate in centinaia di spot pubblicitari perché hanno insieme alle parole un carico molto ricco di immagini. Bellissimo.

Ci sono due binari che viaggiano insieme, uno è quello del mondo reale, di quello che vediamo e viviamo sempre, un altro è quello di come vorremmo che le cose fossero, ed è un binario che nel tempo si sviluppa prendendo delle direzioni molto diverse. Asseconda il nostro modo di vivere, di crescere, di cambiare la volontà di quello che pensiamo sia il meglio per noi. Questo Girl on Bikes Boys Who Sing è un disco che parla proprio di come si distanziano questi due binari, di come qualcosa che sembrava che dovesse andare in una stessa direzione improvvisamente prende tutta un'altra destinazione. Questo disco diventa assolutamente interessante perché è la testimonianza di come i sogni si distanziano dalla realtà ma non per quello ci si smette di credere. Lavoro molto coraggioso, questo dei Monophona.

Voto 8/10

Monophona - Girls on Bikes Boys Who Sing

Kapitän Platte

Uscita 20.10.2017

Sito Ufficiale Monophona

Pagina Facebook Monophona

Katla - Mó∂urástin: il risveglio del vulcano

(Recensione di Mó∂urástin dei Katla)

Si finisce sempre per assomigliare ai posti dove si vive. Come se ci fosse in atto un incantesimo dove l'intorno governa sulla personalità, dove l'ambiente ti aliena fino a farti diventare un altro elemento di quello che si vede e si vive. Dove c'è il sole la gente è festosa e luminosa, dove c'è l'ombra la gente si riserva e, così come al buio gli occhi devono abituarsi prima di vedere, bisogna saper conoscerli per vedere tutti gli aspetti del loro modo di essere ed apprezzarlo significativamente. Inutile dire che questa non è una regola fissa ma per tante cose si verifica sempre.

Il senso di appartenenza si traduce in molti modi, nelle storie che si raccontano, nella lingua locale che si usa per esprimere le proprie idee, nell'orgoglio verso la propria storia e la propria cultura. In Mó∂urástin il senso d'appartenenza va anche un po' più in là. Questo perché i Katla prendono spunto per definire la loro musica da uno degli elementi più caratteristici, spettacolari e magnificenti della loro terra: i vulcani. Anzi, nel loro caso è il vulcano che regala il nome alla band a essere il punto d'inizio di molte idee. Potrebbe sembrare che ci tocca stare di fronte ad un disco energicamente illimitato, un disco distruttivo che non lascia spazio ad alcuna sfumatura ma non è così. E come al solito è qua che sboccia la magia. Come fa quest'album ad essere vulcanico essendo lo stesso un lavoro pieno di sfumature e di contaminazioni? Grazie ad un'idea molto più vasta ed ampia della loro musica. Katla, il vulcano, è un gigante che si sveglia quando vuole, l'ultima volta 99 anni fa, e quando lo fa modifica in modo significativo la geografia locale. Sopra di lui 300 metri di giaccio si sciolgono regalando al mare 5 chilometri quadri di terre inondate. Per quello è guardato con rispetto, venerazione e paura. Facciamo adesso l'esercizio di riportare questa idea a quello che può essere una personalità musicale molto definita e quello che salta fuori è la musica di questo progetto islandese.

Come puoi modificare la geografia dei sentimenti e degli affetti? Essendo unico, essendo originale, essendo essenziale per il modo di vedere le cose e di viverle. Mó∂urástin è così. E' un disco che si nutre di ambienti oscuri bellissimi, di atmosfere post rock, di momenti di dark wave, di metal molto misurato e di elementi che sarebbe magari esagerato chiamare folk ma che denotano l'importanza di essere un disco nato in Islanda. Magari questa formula non vi è nuova, magari vi vengono in mente altri progetti che mettono insieme questi ingredienti ma la musica è alchimia, magica e misteriosa, e l'elementi che nasce da questo insieme chiamato Katla non ha uguali. Infatti è molto interessante vedere come tutto quello che si ascolta in questo disco tira fuori due sensazioni precise: sicurezza e personalità. Questo perché anche se si tratta di un disco debutto i due musicisti che sono gli autori di tutto quello che ascoltiamo sono dei personaggi navigati, di grande esperienza, visto che nel loro passato musicale possiamo leggere dei nomi così significativi come Sólstafir, Fortí∂ e Potentiam. Ma se c'è qualcosa che fa diventare tutto quanto più affascinante è che questa creatura effettivamente può prendere spunto dal loro passato musicale ma finisce per diventare una creatura piena di vita propria. Insomma, un vulcano che si è risvegliato.

L'impatto che si può avere quando si fa qualcosa è sempre molto particolare. Ma se una cosa è chiara è che chi lascia un'impronta indelebile non è chi colpisce più forte ma chi riesce ad entrare nella vita degli altri. Mó∂urástin fa parte di quella categoria di dischi che non passano mai inosservati. E' un disco che affascina, che ci porta a voler viaggiare in solitario o con la compagnia giusta per lunghe strade piene di curve, con i finestrini abbassati a sfidare l'aria glaciale, perché non c'è nulla di più rivitalizzante di quello. Katla si è svegliato, e per fortuna l'ha fatto, perché l'emotività esige eventi come questo.

A rischio di sembrare ripetitivo torno a fare un'affermazione con la quale mi sono ritrovato altre volte: ci sono certi dischi che devono, per forza, essere ascoltati dall'inizio alla fine. Questo ne è uno. Limitarsi a spulciare solo pochi brani è limitante. Grazie all'ascolto completo l'epicità di una chiusura come Dulsmál prende ancora più grandezza, un brano centrale e fondamentale come Mó∂urástin può non essere capito fino in fondo con i suoi contrasti, con la sua vicinanza col black metal, con la bellezza degli interventi vocali femminili. Senza quest'ascolto globale un'apertura di album come quella regalata da Aska non funzionerebbe come questo spalancare le porte  verso un nuovo mondo. Dunque fatevi un favore e ascoltate questo disco per intero.

Mó∂urástin è una metafora, un modo di dimostrare che non esiste alcuna altra connessione possibile se non quella tra uomo e natura. Quel che siamo e quel che viviamo, è la nostra capacità d'adattamento, la nostra consapevolezza di non essere governanti ma di essere governati da qualcosa di magnifico che ha una potenza che noi non avremmo mai. Lavori come questo dei Katla lasciano in chiaro che la saggezza si conquista guardando il mondo e imparando a rispettarlo, a cogliere i suoi frutti, a prendere la sua energia e farla propria. Non è soltanto la miglior via ma è l'unica. Benvenuto vulcano.

Voto 9/10

Katla - Mó∂urástin

Prophecy Productions

Uscita 27.10.2017

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Adimiron - Et Liber Eris: vivere il presente

(Recensione di Et Liber Eris degli Adimiron)

La bellezza di scrivere un blog, nel giorno d'oggi, è che lo puoi fare ovunque, basta avere una connessione ad internet. Per quello molti dei post che avete avuto modo di leggere sono stati scritti nelle più variopinte situazione, per essere nel bar di un molto popolato centro commerciale all'ora di punta di una domenica estiva, o in una piazza desolata dove una salvatrice rete wifi gratuita acconsentiva di lavorare egregiamente. Ma la maggioranza di quello che scrive nasce nella città che da più di tredici anni è la mia casa. Mi riferisco a Brindisi, posto pieno di contrasti e di aspetti che potrebbero portare a odiare di più questa città piuttosto che amarla. Come capita con le piccole realtà quando qualcuno "ce la fa" il senso di ammirazione da parte dei concittadini si esaspera e si venera il personaggio in questione. Qualche anno fa qualcuno mi nominò una band che, anche se stabilita a Roma, aveva avuta la sua genesi in questa città. Per quello sento che c'è un particolare legame che mi porterà a raccontarvi questo disco in modo leggermente diverso da quello che di solito faccio.

Una sola volta ho incontrato Alessandro Castelli, mente dietro agli Adimiron. Non so neanche quanti anni sono passati ma era una caldissima serata estiva e suo padre me lo presentò in mezzo ad una cena in circolo d'ufficiali della Marina. Era strano vedere a Brindisi qualcuno con idee musicali diverse dalle mie, qualcuno che all'epoca era riuscito già a girare un po' con la sua band non solo in Italia ma anche in giro per l'Europa. In un certo modo mi diede l'impressione che quel ragazzo stesse vivendo quello che qualche anno prima avrei potuto vivere io, quando vivevo a Madrid e suonavo in una band meravigliosa chiamata As Light Dies che di lì a poco avrebbe vissuto il suo primo tour europeo.

Da allora gli Adimiron  ne hanno fatto di strada, aprendo con certi per grandissime band, suonando in giro in diversi punti del globo terrestre, costruendo e presentando tre dischi. L'ultimo, Et Liber Eris, è quello che ha la mia attenzione in questo post. Credo che arrivare a pubblicare questo disco con una casa discografica pazzesca, come è l'Indie Recordings norvegese, sia un bellissimo punto d'arrivo. Ma per essere arrivati a quel punto c'è dietro un lavoro costante e, soprattutto, la capacitò di aver scritto un disco degno di essere diffuso a scala mondiale. 

Et Liber Eris arriva puntuale come una dichiarazione d'intenzioni, come un manifesto di quello che reputo sia non soltanto una voglia creativa ma proprio un modo d'interpretare la filosofia musicale dentro alla quale gli Adimiron si rispecchiano. Per quello questo disco può suonare molto alla "X" piuttosto che alla "Y", dove X ed Y sono una serie di gruppi che si muovono nello spettro che mette insieme progressive metal, death metal, technical metal e uno che altro genere più o meno estremo, ma, guardando approfonditamente quello che fa la band è solo quello che veramente vuole fare. Per quello le tracce di questo lavoro sembrano avere un'anima progressiva, nella complessità delle proprie strutture, nelle ritmiche inseguite, prese e mescolate, ma questo lavoro è anche un disco dotato di un certo genere di aggressività, di una personalità che viene messa alla luce con orgoglio. Aggiungiamoci un terzo mondo, che potrebbe sembrare assolutamente non in linea col secondo, cioè un aspetto melodico. Questo terzo disco della band romana è pieno zeppo di melodie che ti entrano nella testa e non ti abbandonano più. 

Come mai possiamo ritrovare tutto quanto in un singolo lavoro? Perché questo è un disco aperto, è un disco che diventa un riflesso dell'evoluzione del metal dove, per fortuna, i purismi sono cosa del passato, sotterrato sotto parecchi metri, e c'è spazio a queste aperture musicali preziose. Capiamoci, gli Adimiron non sono i primi a fare un ragionamento di questo tipo ma sono presenti con la propria, forte, voce. 

La forza di Et Liber Eris è la capacità di lasciare una traccia. C'è chi impazzirà dietro alle dissonanze della chitarra o ai riff ricercati, c'è chi vedrà nella sezione ritmica una serie di costruzioni bellissime ma c'è anche chi si ritroverà a canticchiare tra sé e sé il ritornello di una di queste canzoni o, ancora di più, a fare quello che succede a me in questi giorni, cioè costruire la mia colonna sonora attuale usando la musica degli Adimiron. La complessità di questo disco è allo stesso tempo la sua chiave.

E' difficile individuare punti più alti o altri più bassi in questo disco, per quello la selezione di brani che faccio corrisponde a quelli che, per un motivo o l'altro, più mi hanno toccato.

Il primo è Zero-Sum Game. Per chi mi ha toccato? Perché mi ricorda il tempo d'oro degli Opeth, quello di fine anni 90 e dei primi anni 2000. Quelli Opeth che hanno segnato un'epoca. Ma quando tutto sembra andare in quella direzione ecco che il brano cambia e giunge ad altre destinazioni. Oltre a tutto ciò la sezione ritmica di questo brano mi piace tantissimo, il dialogo tra batteria e basso diventa prezioso con il suo gioco di sincope, di accenti e di contrasti. 

Dicevo che un'altra componente di questo disco era quella melodica, cioè la capacità di costruire dei brani che ti rimangono impressi in testa grazie al loro carico emotivo. Il punto più alto in quel senso viene toccato con The Coldwalker. Se prima ho citato gli Opeth ora devo chiamare in causa i Leprous, perché qui siamo di fronte alla materia che i norvegesi conoscono perfettamente, vale a dire quella di dare ai propri brani una dimensione emotiva immensa, la composizioni di brani che potrebbero sembrare quasi pop ma che sono tutto tranne che quel genere, una specie di trappola mortale, sembra tutto bello ed immediato ma è come la vita: incasinata e complessa.

Sono felice che ci siano dischi come Et Liber Eris, perché il presente è il momento più bello di sempre, poco importa se nel passato sono state fatte cose meravigliose o se il futuro si prospetta luminoso. E' proprio l'adesso quello che bisogna vivere intensamente e gli Adimiron, con questo disco, ci parlano dell'adesso del metal, che è bellissimo, che è ricco, che è una promessa, quella di regalarci per anni ed anni dei dischi da consumare fino allo sfinimento. 

Voto 8,5/10

Adimiron - Et Liber Eris

Indie Recordings

Uscita 03.11.2017

Pagina Facebook Adimiron

Pagina Bandcamp Adimiron

Black Capricorn: questione di famiglia

(Recensione di Omega dei Black Capricorn)

Credo che ci siano pochi dubbi sul fatto che la cosa più importante al mondo sia la famiglia. Non è un discorso moralista il mio ma semplicemente la nozione di quanto è importante sapere di contare sempre su un gruppo di persone che vogliono il meglio per te. Detto ciò è necessario tenere presente che tipologie di famiglie ce ne sono tante, e che non c'è soltanto un legame di sangue a definire l'idea di famiglia. Le dinamiche che poi si presentano in ogni famiglia sono uniche ed interessanti. C'è chi fa tutto con la famiglia e c'è chi, invece, cerca solo di dedicare a loro i momenti liberi.

Parlare di famiglia non è un caso, considerando che il disco del quale sto per parlarvi nasce proprio come un lavoro famigliare. Eh sì, perché i Black Capricorn, trio sardo, sono la dimostrazione di come un nucleo famigliare può andare ben oltre alla convivenza dentro ai quattro muri di casa. Marito, moglie e cognata del marito, questi sono i legami che uniscono i tre membri di questa band che ci presenta Omega, il loro già quarto disco. Indubbiamente non ci formule perfette da applicare per assicurarsi di avere la famiglia perfetta ma mi viene da pensare che avere un legame con la musica sia qualcosa di fantastico che spesso unisce molto più di tante altre cose. Ma, per esperienza, so che è molto difficile lasciare fuori dalla sala prove tutte le tensioni vissute in casa. Nel caso di questa band questa tensione non si apprezza per nulla, c'è una compattezza tale da avere l'impressione di essere di fronte ad un gruppo perfettamente equilibrato, un gruppo dove ogni membro sa perfettamente cosa dà al progetto e qual è il suo ruolo, senza pretendere altro e senza togliere il minimo spazio ai compagni di avventura, perché l'avventura che vivono va ben oltre alla "semplice" musica.

Omega è un perfetto esempio di come fare dello psycho doom. Brani concisi, schiacciasassi, di ritmiche trascinate, di riff  di chitarra che lavorano su basse frequenze e d'interventi del basso a creare un perfetto ponte tra ritmo ed armonia. Tutti elementi che lasciano spazio ad una voce che sa perfettamente qual è il proprio ruolo e quali sono gli elementi che vanno ricercati in questo genere. I Black Capricorn sembrano conoscere perfettamente il copione e lo recitano alla grande. Sanno che devono risultare oscuri, ma di un'oscurità che ha dei connotati molto particolari perché è un'oscurità tangibile, quasi materiale, mai eccessiva, mai scandalosa. Un'oscurità che nasce nel buio, cresce e si sviluppa lì, e per tanto diventa naturale, "facile", nel senso che non ha alcuna forzatura, ed immediata. 

In altre parole, Omega è un disco che permette di vedere una doppia appartenenza molto evidente. La prima riguarda il legame che esiste tra moglie e marito, l'altra invece è quasi un atto di fede, un modo di dichiarare di far parte di progetto maggiore sotto l'ala del doom, di viverci dentro e di prendere tutti i connotati e tutte le simbologie che ci sono dentro. Ecco, il patto fatto dai Black Capricorn prende quella dimensione ancora più alta.

Ci sono due brani che credo permettono di capire perfettamente questo disco.
Il primo è Evil Horde of Lucifer. Qui c'è la perfetta definizione di come viene concepita l'oscurità nalle band, come tutto è naturale, come quando si vive dentro ad un mondo tutto quello che viene fatto lì diventa naturale e spontaneo.
Il secondo è Omega, chiusura magnanime di questo disco. Brano ce diventa molto più evocativo di tante altre tracce di questo lavoro. E' un brano che ci regala tra l'altro un piacevolissimo outro acustico dove la band dimostra di poter espandere i suoi limiti creando un bellissimo esempio musicale.

C'è la famiglia "tradizionale" che si cela dietro ai Black Capricorn, anche se mi azzardo a dire che di tradizionale avrà ben poco e sarà una interessantissima famiglia. Ma poi ce n'è un'altra che Omega ribadisce ancora un'altra volta nella carriera della band. E' una famiglia molto più ampia perché è composta da parecchia gente in tutto il mondo, ed è la famiglia del doom, famiglia nella quale la band ricopre un ruolo molto importante.

Voto 8/10
Black Capricorn - Omega
Stone Stallion Rex
Uscita 02.11.2017

Pagina Facebook Black Capricorn

Stahlsarg - Mechanism of Misanthropy: meglio non cercare di fermare il treno

(Recensione di Mechanism of Misanthropy dei Stahlsarg)

Ci sono tanti modi diversi di fare musica. Naturalmente questi modi devono corrispondere alla capacità e alla volontà che ciascuno mette dentro alle proprie creazioni. Per quello certi dischi sono molto ragionati, pensati fino al minimo dettaglio, come se si trattasse di erigere un'opera maestra dove tutto deve corrispondere a una pianificazione fatta con cura. Poi ci sono quei dischi pieni di sentimenti dove l'unica cosa che interessa è che il messaggio arrivi forte e conciso all'ascoltatore, senza curarsi troppo di tutto il resto. Ma poi c'è la musica viscerale, quella musica che cerca in tutti i modi di venire da dentro, dal profondo delle anime. E' una musica senza barriere perché ha la forza della spontaneità e del valore profondo del suo messaggio.

Dentro al black metal ci sono dei gruppi che hanno delineato al meglio questa idea di urlo viscerale, questo modo di prendere l'ascoltatore e di metterlo di fronte ad una realtà inopinabile. Dentro a questo mondo possiamo perfettamente inglobare Mechanism of Misanthropy, secondo disco degli inglesei Stahlsarg. La loro musica urlata sembra provenire da una profondità che risiede negli abissi dell'anima umana. E tutto diventa in linea con questa sensazione, non soltanto il modo di cantare ma anche la contundente matteria della loro musica. Ogni brano è un graffio, una ferita così fresca da bruciare senza riuscir a trovare conforto. Dal mio punto di vista fare effettivamente qualcosa del genere non è affatto semplice, e per quello bisogna togliersi il cappello di fronte a questo lavoro. Non ci sono artifici, non ci sono forzature, soltanto l'obbligo vitale di urlare per essere ascoltato.

Mechanism of Misanthropy è uno di quei dischi che difficilmente possono essere classificati come piacevoli. Il suo suono è graffiante, deciso, oppressivo e anche se in mezzo al rumore si può cercare sempre la melodia non sembra essere questo lo sforzo principale dei Stahlsarg. Quello che persegue questo disco è lasciare una traccia indelebile in ogni ascoltatore. Per quello il black metal usato è intelligente, tarato in modo di non disperdersi per via alternative ma di essere il "portatore" di questo messaggio diretto all'anima di ognuno. Ed è proprio questa mancanza di artifici quello che rende più grande quest'opera, perché non insegue più strade ma una sola, perché sa cosa vuole e lo consegue, perché per farlo si nutre di un linguaggio proprio che non ha, ne vuole avere, paragoni con altra musica, con altre fonti, con altre idee. 

Funziona molto bene questo disco. Funziona perché ha le idee chiare e perché sa qual è il terreno sul quale muoversi. Mechanism of Misanthropy lavora come una locomotiva costantemente alimentata che viaggia su binari eterni. Provar a fermarla e rischiare di venire travolto. Ma la cosa più importante, ed interessante, è che questa forza non è fittizia, non nasce da qualche invenzione ma è qualcosa annidata in ognuno di noi, è quella parte che molti non affrontano mai lasciando che prima o poi prenda il sopravento. Forse lo sforzo degli Stahlsarg sta proprio nel tenere a bada e controllare questo lato oscuro di ognuno di noi.

Come dicevo prima tutto quello che viene fuori da questo lavoro va in un'unica direzione. E non soltanto grazie alla parte vocale ma anche a quella musicale. Due esempi chiari sono:

Blonde Poison, che con la sua intensa e bellissima introduzione musicale dimostra che l'arte di costruire atmosfere musicali è un arte complessa, ma che quando da frutti questi sono bellissimi. E' il portale d'ingresso verso un mondo intenso, vissuto e respirato. Ma è anche un brano che dimostra quanto sia inutile lasciarsi andare a ritmiche esaltate e a riempimenti maniacali. Basta il modo giusto, la nota giusta, il momento giusto e l'effetto inseguito è molto più effettivo.

Burn and Destroy, che potrebbe essere una dimostrazione fedelissima di quello che intendo per urlo portato alla musica. Rimane in chiaro che l'intenzione della band trova spazio in tutto quello che fa, in tutto quello che viene suonato e cantato. Non è soltanto bruciare e distruggere ma è purificare, è morire e rinascere.

C'è qualche meccanismo che governa la capacità di tirare fuori la nostra parte più oscura? Io non lo so, ma ho ben chiaro che è necessario saperla governare, tenerla a bada e non farla mai affacciarsi più di tanto. Forse questo Mechanism of Misanthropy è una guida fedelissima di come fare, di quello che si può dimostrare e di quello che no. Sta di fatto che come risultato abbiamo di fronte un bellissimo disco firmato dai Stahlsarg.

Voto 8/10

Stahlsarg - Mechanism of Misanthropy

Non Serviam Records

Uscita 31.10.2017

Sito Ufficiale Stahlsarg

Pagina Facebook Stahlsarg

Párodos - Catharsis: un seme nuovo

(Recensione di Catharsis dei Párodos)

In certi mondi musicali, quelli più underground, rigge un bel senso di collaborazione. Non c'è quella voglia selvaggia di farsi concorrenza a tutti i costi e gli artisti più affermati sono pronti a dare una mano e scommettere sulle realtà emergenti. Questo non può che giovare alla crescita di mondi musicali che hanno ancora molto da raccontare. Magari fosse così in tutti i generi.

Catharsis è il primo disco dei nostrani Párodos, band salernitana che ha come scopo quello di mettere insieme una serie di idee musicali che rispondono ai loro propri interessi e gusti. Per quello leggendo l'elenco di gruppi che sono stati un'influenza certa possiamo notare dei nomi veramente interessanti e variopinti. Come capita spesso un conto è nominare una serie di influenze ed un altro è ottenere un determinato risultato musicale. Infatti in questo disco c'è qualche sfumature più o meno presente di ogni band nominata come guida. Quello che alla fine interessa più di qualsiasi altra cosa è il processo che porta a trasformare questi impulsi in un risultato proprio, in una personalità riconoscibile e veramente autonoma. Questo primo disco, dal mio punto di vista, ci restituisce un seme interessante, un contenitore di idee che devono crescere e svilupparsi maggiormente per rendere la band un punto di riferimento. E sicuramente questo è stato notato da artisti importanti come i Novembre, i Fleshgod Apocalypse o i Buffalo Grizz al punto che qualcuno dei loro musicisti danno un contributo in questo disco. Una scelta interessante perché diventa una scommessa, una possibilità di dare spazio ad una band nuova che deve aprirsi strada.

Ma parliamo della parte musicale dei Párodos e di quello che propongono. Come detto prima questo Catharsis vuole costruirsi con una serie di influenze molto ampie che spaziano tra l'avantgarde metal, il blackgaze e il progressive metal. Ascoltandogli in un certo modo mi viene in mente quello che è stato proposto da una band ungherese di breve vita, gli Without Face, questo perché il modo di mettere tutto insieme suggerisce proprio la filosofia che si celava dietro a quel progetto. I punti cardini di questa proposto sono la ricerca di una grande originalità che si basa nel mettere insieme tutta una serie di idee musicali che potrebbero sembrare non per forza in linea ma che invece trovano un giusto equilbrio per non dare mai l'idea di essere di fronte a qualche forzatura. Non solo, quello che ci viene proposto in questo disco ha anche un filo conduttore che è l'ambiente fantascientifico che alimenta tutti i brani presenti in questo disco. Questo disco è un contenitore di storie fantastiche come se si assistesse alla lettura di un libro favoloso. In quel senso la teatralità della musica acquista un valore ancora maggiore. Ma questa caratteristica sembra essere chiaramente dovuta al fatto che la tastiera ha un ruolo fondamentale in questo progetto e non sarebbe strano pensare che molte canzoni sono proprio nate da quello strumento. Questo si traduce in una sonorità sinfonica e pomposa assolutamente in linea con l'epicità di quello che si racconta. Due altri elementi arricchiscono ulteriormente quest'idea. Il primo è il gioco tra diversi registri vocali, tra lo scream e la voce pulita, tra le linee uniche e le armonizzazioni vocali. Si giostra così la capacità di restituire all'ascoltatore delle sensazioni molto diverse. L'altro aspetto importante ha a che fare con la scelta di aggiungere molto oculatamente delle parti recitate, cantate o urlate in italiano, operazione che da più drammaticità all'intero lavoro.

La mia sensazione è che i Párodos abbiano un grandissimo entusiasmo e credano fermamente a quello che fanno. Queste sensazioni vengono restituite in ogni traccia di questo Catharsis. Ma la sensazione che mi viene fuori è anche che potremmo ascoltare dei lavori molto più trascinanti ed interessanti. Perché? Perché credo che il linguaggio musicale della band deva ancora definirsi maggiormente. Credo che, come consiglio in tanti casi, si deva esagerare molto di più nelle proprie convinzioni per essere così una voce non solo autorevole ma anche unica. Sta di fatto che come primo passo questo lavoro è molto pregevole.

Due brani che racchiudono l'essenza di quello che è questo disco sono:
Space Omega, perché permette di vedere qual è la voglia della band di mescolare le carte, di regalare delle idee dove confluiscono un sacco di sensazioni sonore. Per quello si salta da una parta all'altra con grande naturalità, per quello c'è una grande compattezza sonora, per quello diventa molto chiaro da dove viene e dove vuole andare la band. Più di sette minuti di canzoni scivolano via con tranquillità. 
Evocazione, perché entra in gioco l'appartenenza territoriale e perché vengono messi alla luce degli elementi che potrebbero essere un ottimo spunto per lavori futuri. Per esempio gli interventi vocali femminili, gli intrecci di parti da un sapore esotico, una narrazione viscerale, una profonda esplosione sonora. Dal mio punto di vista è il brano migliore di questo lavoro.

Credo che l'intenzione d'innovare è già un punto di partenza essenziale. I Párodos c'è l'hanno. Ma non si fermano soltanto a quell'intenzione, mettono in atto  la realizzazione di un qualcosa di nuovo, di un'idea che diventa realtà. La creatura chiamata Catharsis è molto interessante ma ancora un po' acerba. Il futuro fa bene sperare.

Voto 7,5/10
Párodos - Catharsis
Inverse Records
Uscita 27.10.2017 

Sito Ufficiale Párodos 
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