Maraton - Meta: facile il difficile per amore alla melodia

(Recensione di Meta dei Maraton)

Dal mio punto di vista, quando si da vita a un progetto musicale, è fondamentale avere chiarezza di quello che si vuole fare. Ben poco importa quale sia questa caratteristica ma dev'essere l'elemento trascinante da difendere con l'anima. Quel minimo di decisione è quello che forgia la corretta strada di ogni progetto e serve come filtro tra chi deve andare avanti e chi, invece, è destinato a scomparire.

La definizione che viene fornita dai norvegesi Maraton, per quanto riguarda la loro musica, è che è una musica svergognatamente melodica. Come se quel protagonismo della melodia fosse uno sbaglio. Nulla di più erroneo! Se non fosse per quella capacità sicuramente questo loro debutto, intitolato Meta, non sarebbe mai diventato così magnetico come lo è. Grazie a quest'impronta questo disco penetra nella testa dell'ascoltatore, ricordandole che sarà impossibile non canticchiare i fraseggi che si sentono qui e là. Non solo, ma ci sarà da chiedersi come mai una band "nuova" sia riuscita a sfornare qualcosa di così solido e concreto quanto questo disco. Brani che scivolano perfetti, senza creare attrito, senza essere banali ma ritrovando una grande coerenza tra di loro. Questo è uno di quei classici dischi che possono essere ascoltati di getto dalla prima all'ultima canzone o che possono essere spulciati scegliendo un brano alla volta. Quello che rimarrà sarà sempre la stessa cosa: un suono fresco, moderno e che traduce in semplicità certi aspetti che, in realtà, non hanno nulla di semplice.

La musica di Meta s'ingloba nel rock progressivo moderno, quello che è nato dalle interpretazioni di gruppi come i Mars Volta, che invece di rendere prioritaria la parte "matematica" del genere si sono focalizzati molto di più sul risvolto emotivo che ne poteva venire fuori. Ma i Maraton non si fermano lì. Visto il peso specifico della melodia nella loro musica non nascondono la propria vicinanza al rock e pop, prendendo spunto da un'altra band che è riuscita a inglobare queste caratteristiche diventando un fenomeno mondiale, cioè i Muse. Nella mia personale osservazione mi sento di aggiungere un terzo nome, che non è tanto presente come i primi due ma che, penso, abbia delle tracce in comune con questo progetto. Mi riferisco ai Leprous e al loro modo di fare musica, riuscendo spesso a sintetizzare tutte quelle idee musicali in un bellissimo risultato. Per quello il complesso diventa facile, per quello rimane l'anima di ogni brano e non la sua complessa costruzione. Questo è il vero trionfo della band, del loro modo di essere e di porsi. 

Meta si trasforma, dunque, in un'abile dimostrazione di come circondare una melodia per costruire qualcosa di nuovo. Le nostre sono solo 12 e sono state usate e riusate mille volte. Per quello diventa fondamentale che gruppi come i Maraton abbiano la capacità di essere veri e propri architetti di novità. Per quello questo debutto ha una personalità che molte band faticano a trovare anche alla distanza di parecchi anni.

Prendo due brani da questo lavoro ma come ho detto prima affrontarlo per intero è una prassi non solo corretta ma che si svelerà, anche, molto piacevole.

Il primo è Altered State. Forse il punto più alto di questo disco. Un brano che intreccia preziosamente le linee di basso e chitarra su una batteria trascinante. E come detto, e ripetuto, spesso, è la melodia quella a farla da padrone. Linea vocale, dunque, assolutamente originale, forte, funzionante, perfetta. Un brano bellissimo che cresce di momento in momento.

Il secondo è Spectral Friends. Anche qui rimane in grande evidenza quale sia il gioco musicale inseguito dalla band. Questa loro capacità di giocare con gli elementi del prog riuscendo a sintetizzarli e metterli in gioco come piccole pillole di grande effettività. Ancora una volta sarà impossibile smettere di canticchiare la melodia del brano.

Nel complesso discorso dell'evoluzione musicale non è mai semplice cercare d'indovinare e di indirizzare quello che è l'avvenire della musica. Più che altro bisogna sempre avere un occhio educato che riesca a scovare sin da subito la novità. Meta dei Maraton non sarà sicuramente il lavoro più d'avanguardia di questi anni, non darà nascita a un nuovo genere ma ci dimostra come sia possibile farsi erede di certe correnti musicali rendendole ancora più interessanti. E vi ricordo che parliamo del disco di debutto di questa band.

Voto 9/10

Maraton - Meta

Indie Recordings

Uscita 26.04.2019

Sito Ufficiale Maraton

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Diabolical - Eclipse: l'alba di un'era oscura

(Recensione di Eclipse dei Diabolical)

La mente umana è molto complessa ma è anche tanto fragile. Qualche volta basta la presenza di qualcuno abile e carismatico per plagiarci, per farci credere in storie e filosofie che non solo sono vere ma hanno anche uno sfondo negativo. Gran parte del gioco del potere si basa su questa dinamica, riuscire a convincere quanta più gente possibile che la propria posizione sia l'unica valida, l'unica buona. Per quello da sempre sono orgoglioso nel poter affermare che sono stato educato a impormi il dubbio su ogni cosa, a mai dare per buono un concetto soltanto perché qualcuno mi ha detto che è così. Non bisogna mai piegarsi e sempre cercare di capire le cose da soli, facendo magari centinaia di domande.

Eclipse è il nuovo disco degli svedesi Diabolical e si presenta come un lavoro ambizioso, sia musicalmente che a livello lirico. E' un disco che parla di potere, di un nuovo inizio in un mondo governato da le forze che possono essere definite come "oscure". Tutto in un ambito fantascientifico che potrebbe riportarci ad opere come Il Signore degli Anelli. Per quello anche a livello musicale le scelte seguite tendono a dare quest'aria, dove tutto diventa etereo e volutamente grandiloquente. Questa non è un'opera facilmente concepita, non è il frutto di poche ore passate in sala prove buttando giù qualche idea coerente. E', invece, un lavoro curato meticolosamente, riflettuto e studiato in modo che tutto abbia la dovuta coerenza che faccia combaciare musica, parole e soprattutto l'impatto che arriva all'ascoltatore. Il risultato è garantito, può piacere o non piacere la storia e il genere musicale ma nessuno può mettere in dubbio che questa è un'opera molto ben riuscita. 

La musica che troviamo in Eclipse può essere definita come un blackened death metal cioè l'anima del death metal arricchita con degli elementi che sono, in un certo modo, parte dell'universo del black metal. Ma credo che la ricchezza che ci viene proposta dai Diabolical vada anche oltre a questa definizione. La loro musica non si richiude a nessun elemento che possa arricchirla, per quello oltre ai generi nominati prima possiamo sentire dei passaggi di death metal progressivo alla Opeth o sinfonici come quello che viene fatto dai Septicflesh. Per quanto riguarda quest'ultima parte è fondamentale la presenza di un coro lirico che aggiunge senza distogliere la vera natura della band. E' un di più che diventa molto gradito, che fa bene, che aiuto a spandere l'idea che c'è dietro a questo disco. Non è l'unico elemento che va in quella direzione. C'è anche una importante aggiunta dovuta ai gioco vocali, all'alternanza tra voci pulite e distorte. Ma occhio, diventa tutto teatrale ma mai esagerato o scontato. Un abile scrittore sa che per "cucinare" un bel libro serve equilibrio e una coerenza che dia quel tocco desiderato alla ricetta. In questo lavoro succede lo stesso. Il tronco e la base portante è quel blackened death metal e tutto quello che viene aggiunto serve per accrescere il risultato finale. Tornando al paragone gastronomico del quale mi sono servito molto spesso non basta avere un ingrediente prelibato, se non lo si sa cucinare o abbinare il risultato diventa deludente.

Perché ci emozionano le grande opere della fantascienza? Non tanto per il loro epico svolgimento quanto per tutto quello che racchiudono dietro, tutti i messaggi e le emozioni che risultano più facili da spiegare usando metafore, immagini e paragoni. Si diventa vincitori insieme ai protagonista, si soffre quando loro soffrono e così via. Eclipse è così. Non è un disco che parla di emozioni, di sentimenti o di qualcosa del genere ma la magia dei Diabolical sta nel portare l'ascoltatore a vivere dentro al mondo che viene cantato e suonato.

Prendo due brani da questo lavoro.

Il primo è We Are Diabolical, brano d'apertura di questo lavoro. Sin da subito viene messo in chiaro che questo è un lavoro di una costruzione musicale quasi architettonica. Ogni sovrapposizione vocale, ogni arrangiamento rispondono a una volontà. Questo brano non è mai statico o monotono, si evolve in modi anche impensabili lasciando molto chiaro che c'è una grande ambizione dietro a questo disco.

Il secondo è Hunter. Meno articolato del primo ma non per quello meno effettivo. Perché, tornando al paragone letterario, una storia si scrive attraversando tanti momenti e questo è il momento della tensione, di quella caccia che deve portare ad abbattere la preda, musicalmente è quello che ci viene restituito. 

Eclipse deve dunque essere visto come un relato fantascientifico ma anche come una riflessione di quello che è il mondo, di quella mania di dividere tutto tra buono e cattivo. Come detto in precedenza l'intento dei Diabolical da buonissimi risultati perché questo è un disco che si ascolta con piacere, con la voglia e la curiosità di sapere come si svilupperà tutto il discorso. E quello è già tanto.

Voto 8,5/10

Diabolical - Eclipse

Indie Recordings

Uscita 15.02.2019

Sito Ufficiale Diabolical

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Azusa - Heavy Yoke: CCC (crudo, complesso, contrasto)

(Recensione di Heavy Yoke degli Azusa)

Nella fotografia ci sono due aspetti fondamentali che fanno la differenza tra uno scatto banale e un capolavoro. Il primo è la capacità del fotografo di settare correttamente la propria macchina oltre ad avere la composizione corretta e chiave; il secondo è la capacità di fare una post produzione che accentui i potenziali della foto senza mai renderla artificiale, tranne se non si tratta di una scelta artistica. C'è un aspetto che è comune alle due tappe, ed è quello del contrasto. Le foto devono essere dinamiche, complete, plastiche. Non c'è nulla di peggio di una foto piatta, nella quale non si riesce ad apprezzare fino in fondo le differenze ed i giochi di luce ed ombre.

Heavy Yoke è la prima fotografia targata Azusa, band che merita la definizione di super gruppo, visto che mette insieme dei membri degli Extol, dei The Dillinger Escape Plan e dei Sea + Air. Parlo di fotografia e non di album perché credo che il paragone visivo sia perfettamente applicabile. Soprattutto perché la musica che forma questo debutto è una costruzione complessa e ben studiata che va a concentrarsi in pochi minuti, così come un fotografo sa che c'è un fondamentale equilibrio tra la quantità di dettagli che può avere un singolo scatto che consenta di scorgerli tutti quanti senza che si scontrino tra di loro. E la chiave per riuscire a compiere questo risultato si basa in un concetto unico: il contrasto. Contrasto che viene dato dalle interessanti scelte armoniche e dal lavoro vocale, tanto angelico quanto dissacrante.

Mi è difficile definire il, o i, genere di appartenenza di Heavy Yoke. Lo è perché più di una chiara "cittadinanza" musicale lo sforzo degli Azusa sembra essere più concentrato sulla sensazione che vogliono suscitare, cioè un insieme di acidità e di crudezza. Aspetti che mi ricordano una recensione fatta più di un anno fa che aveva come punto d'interesse una promettente band inglese chiamata Row of Ashes. In quel caso avevo parlato di sludge metal misto ad un post metal di radice oscura. In questo caso non mi sento di attribuire quelle stesse caratteristiche ma lo definirei, se me lo acconsentite come un lavoro di raw alternative metal. Perché raw? Per via dell'onnipresente contrasto. Sembra un controsenso, come può esistere qualcosa di crudo ed essere allo stesso tempo contrastato? Ebbene, quella crudezza viene data dalla voglia di essere diretti, di non prendere mai alcuna direzione che non sia quella della musica che si vuole scrivere. E il contrasto? Viene dato dal passaggio della creazione di gradevoli melodie vocali che prima ancora di svilupparsi completamente vengono spazzate via dalla voce graffiante della cantante Eleni Zafiriadou, abilissima a recitare questa specie di Dr. Jekyyll e Mr. Hyde canoro.

Sicurezza melodica e complesse armonia, voce armoniosa che nell'arco di pochi secondi diventa graffiata e graffiante. Concetti vari e complessi che si sviluppano in un massimo di quattro minuti. Ecco la forza ed unicità di Heavy Yoke, album che si presenta come una serie di fotografie sonore da studiare a fondo, perché soltanto imparando ad osservare correttamente si potranno capire tutti i dettagli inclusi dagli Azusa in questo loro primo disco.

Prendo due brani per esemplificare tutto quello che ho cercato di spiegarvi precedentemente.

Il primo è Heart of Stone. Una piccola grande montagna russa, piccola perché di dimensioni limitate, grande perché non da alcuna tregua al coraggioso che decide di percorrerla. Non bisogna mai pensare che quello che si sta ascoltando in un secondo sia la stessa cosa che si ascoltare dopo.

Il secondo è l'omonimo Heavy Yoke, perfetto biglietto di visita dell'intero lavoro dove non ci sono solo quei contrasti ma anche una complessa costruzione melodica con fraseggi canori veramente complessi ed interessanti.

Tirando le somme di questo Heavy Yoke bisogna dire che non è un lavoro semplice che potrà piacere a tutti quanti. Lo è perché la scelta intrapresa dagli Azusa può sembrare delirante e complessa, ma come generalmente accade è proprio lì che si radicano i progetti più interessanti da ascoltare e guardare con la lente d'ingrandimento. Sarà interessante vedere la direzione che intraprenderà questa super band ma indubbiamente ci regalerà dischi da ascoltare e riascoltare con cura.

Voto 8/10

Azusa - Heavy Yoke

Indie Recordings

Uscita 16.11.2018

Sito Ufficiale Azusa

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Dreamarcher - Harding: riscattare i violini dalle ceneri

(Recensione di Harding dei Dreamarcher)

Ancora una volta mi ritrovo a dover lodare la capacità della musica di essere un veicolo di tradizioni, di storia, di personaggi. Questa funzionalità della musica è essenziale per avvicinare le nuove generazioni a qualcosa che, altrimenti, rischierebbe di diventare passato e di finire nel dimenticatoio. Non solo, come ho sottolineato altre volte, l'aspetto fondamentale è che questa operazione non deve avvenire in modo necessariamente "folcloristico" ma si può basare nella contaminazione di generi, nel raccontare a ritmo di rock o metal delle storie di realtà non sempre molto conosciute.

Harding è un EP che nasce con un'idea molto semplice e chiara: essere un omaggio alla terra che ha visto nascere la band norvegese Dreamarcher. Fino a questo punto si potrebbe pensare che siamo di fronte ad un lavoro come tanti, anzi, come se s'inseguisse una strada già percorsa da parecchi altri gruppi, perché il senso d'appartenenza è sempre una delle vie più semplici da percorrere e siamo bombardati da dischi che parlano della propria terra. Ma in questo caso ci sono delle sensibili differenze che danno tutto un altro tocco. La prima è che musicalmente quello che viene costruito da questa band è assolutamente globale e contaminato. Il loro rock confina col metal in modo spregiudicato. Questo primo aspetto fa sì che questo sia un lavoro che può essere "capito" da tutti e non solo da chi cerca degli aspetti più autoctoni nella musica. L'altro aspetto è che per raccontare quello che viene raccontato nelle tre tracce che formano questo lavoro la band ha scelto di basarsi su gli scritti di giornalista, scrittore e blogger locale. Ma l'aspetto che incrementa maggiormente la grazie di quest'EP è il fatto che c'è tanto da raccontare su questa terra dove, come segnala la stessa band, gli uomini sono riusciti a sconfiggere la natura, coltivando terreni che sembravano incoltivabili, resistendo alle condizioni geografiche e climatologiche che spesso isolano questa zona dal resto del paese.

Ma l'orgoglio che si vede e si vive ascoltando Harding va anche oltre, perché in queste canzoni c'è un altro aspetto che viene evidenziato a più riprese. La regione d'appartenenza dei Dreamarcher è anche la zona dove la popolazione locale ha deciso per anni di allontanarsi dall'aspetto più tradizionale della religione e di vivere lontana da questi mandati ed imposizioni al punto che come risposta si sono ritrovate delle accuse di paganesimo e di patti diabolici. Forse a simbolizzare, e sintetizzare, tutto ciò c'è il violino tipico della zona, un violino generalmente di otto corde, che per anni è stato vietato, ricercato e bruciato. Ecco, questa rabbia che nasce dal paradosso di un atto che sembra così fuori da qualsiasi normale concezione è quello che più si respira in questo lavoro. Un modo di sottolineare che qualsiasi azioni esterna è inutile quando le idee e le intenzioni sono chiare. Per quello il rock e metal che sono udibili in questo disco non si si preclude ad alcuna via di sviluppo e abbiamo una chiara dimostrazione con la presenza dello strumento precedentemente incriminato come elemento che ingrandisce l'ultima traccia di questo EP: Omuta.

In un certo modo la riflessione che nasce ascoltando Harding è quella del conflitto che nasce tra il potere e la volontà d'imporlo per forza su qualsiasi persona, etnia, regione e nazione e la salvaguardia degli aspetti più personali e intimi di un soggetto o di una comunità. Qual è il limite da rispettare? Non è una risposta semplice ma la musica degli Dreamarcher dimostra come la modernità deve andare nella direzione di valorizzare quanto più possibile le caratteristiche di ogni posto, di esaltarle, di farle conoscere al mondo e di apprezzarle per quello che veramente valgono.

I diciotto minuti di durata di questo EP si dividono in tre brani, due molto ben sviluppo e un terzo molto veloce e concreto. Personalmente quello che più mi ha segnato e il terzo, e più esteso, cioè il prima nominato Omuta. Il brano mi sembra una sintesi perfetta di quello che viene messo in atto dalla band, cioè il modo di raccontare delle cose molto locali con uno sguardo assolutamente universale, cioè la capacità di introdurre degli elementi tipici della loro regione, come il violino locale e mescolarlo con metal e rock del nuovo millennio.

Un EP è sempre un formato un po' contraddittorio. Qualche volta sembra una scusa per smuovere le acque e far vedere che le band hanno del materiale nuovo da far sentire al mondo, qualche volta invece sembrano solo la genesi di un'opera che poteva e doveva essere più estesa. Curiosamente questo Harding mi sembra un perfetto equilibrio, dove non si eccede mai e non si ha neanche l'impressione di essere di fronte ad un'opera riempi buchi. L'intenzione era molto chiara ed è stata perfettamente portata a termine. Un bel lavoro dei Dreamarcher.

Voto 8/10

Dreamarcher - Harding

Indie Recordings

Uscita 09.03.2018  

Sito Ufficiale Dreamarcher

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The Osiris Club - The Wine-Dark Sea: bere un tè con Lovecraft

(Recensione di The Wine-Dark Sea dei The Osiris Club)

Io non so bene definire una formula dietro allo sviluppo di ogni essere umano. Credo che siamo l'insieme di quello che viviamo, di quello che facciamo, di quello che ci segna. Ognuno con la propria realtà si costruisce un mondo interno che cresce sempre di più. Sarebbe bello, e giusto, secondo me, che la cultura, a trecento sessanta gradi, sia presente nella vita di ciascuno, perché è grazie alla cultura che diventiamo qualcos'altro, che sogniamo, che tocchiamo vette che sarebbero impossibili da raggiungere. 

The Osiris Club è una band che si nutre d'influenze, di citazioni, di letture e di tante altre ore di ascolto. Tutto questo viene messo in evidenza in The Wine-Dark Sea, secondo disco dei londinesi. Viene messo anche alla luce la loro marcatissima appartenenza geografica. Questo è un disco che sa di british dall'inizio alla fine e che dimostra, ancora una volta come la musica ha delle caratteristiche molto particolari asseconda di dove viene composta. Posso aggiungere altro indicando che questa band è una fedele ereditiera del prog anni 70 ma vissuti con un'ottica leggermente diversa. Infatti la loro musica è meno "cervellotica" e anche se si nutre da lunghi brani molto strutturati non satura mai, come se ci fosse un permanente ampio respiro.

The Wine-Dark Sea, in tutti casi, non ha solo questa caratteristica. Un altro elemento fondamentale per comprendere fino in fondo questo lavoro è il filo logico che unisce tutti i brani, cioè uno sguardo rivolto verso la letteratura horror di autori celebri come Lovecraft o Aickman. E forse qui radica la chiave di lettura di questo disco, perché storicamente questo genere di letteratura ha dato nascita a tanti "figli" ma mi è difficile pensare ad un approccio così elegante e corretto come quello dei The Osiris Club. Infatti ascoltando le tracce di questo lavoro sembra di vivere una dimensione nel profilo intellettuale degli scrittori che hanno dato nascita a un nuovo modo di vedere e di vivere la letteratura dell'orrore. Non più il romanticismo gotico del passato ma uno sguardo sempre rivolto a quello che significa l'ignoto e le vere paure che ci governano. 

Il modo di raccontare queste storie è così elegante che se si pensa di essere di fronte ad un disco dissacrante e viscerale si è assolutamente fuori strada. La storia, o l'insieme di storie raccolte in questo disco entrano morbide come una carezza che si traveste di rock progressivo di scuola britannica. 

The Wine-Dark Sea diventa, allora, una specie riflessione sulla letteratura dell'orrore, sul modo nel quale certi autori ci hanno regalato una dimensione nuova che non tramonta mai e che affascina nuove generazioni. The Osiris Club hanno la qualità di regalare un disco senza tempo ma che, nello stesso tempo, non poteva che nascere nei nostri giorni. Infatti questo potrebbe sembrare un lavoro anacronistico ma invece si svela una fondamentale evoluzione di storie e generi che non passano mai di moda.

Consiglio particolarmente l'ascolto di due brani.

Island of Stone che vede la fortunata presenza di Kristoffer Rygg degli Ulver alla voce. Forse questo è il punto più "moderno" dell'intero lavoro. Un brano di forte impatto che ricorda quello che viene fatto dai Porcupine Tree, altri fedeli ereditieri del legame progressivo.

A Winters Night on Sentinal Hill. Il brano epico del disco che regala undici minuti di schitarrate in stile King Crimson anni 70, costruendo un atmosfera onirica inquietante. La divisione del brano in ben tre parti ricorda ancora di più l'idea della costruzione di quei brani progressivi vecchio stampo che fanno parte del patrimonio universale della musica.

The Wine-Dark Sea è un disco pulitissimo che funziona perfettamente riuscendo ad abbracciare gli scopi che presumibilmente si era fissato. Il regalo che ci viene fatto dai The Osiris è quello di riportarci in piena natura il mondo letterario dell'orrore ben scritto e il rock progressivo con una fortissima traccia britannica. Due elementi preziosi che devono essere sempre rispolverati. 

Voto 8/10

The Osiris Club - The Wine-Dark Sea

Indie Recordings

Uscita 23.02.2018

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Adimiron - Et Liber Eris: vivere il presente

(Recensione di Et Liber Eris degli Adimiron)

La bellezza di scrivere un blog, nel giorno d'oggi, è che lo puoi fare ovunque, basta avere una connessione ad internet. Per quello molti dei post che avete avuto modo di leggere sono stati scritti nelle più variopinte situazione, per essere nel bar di un molto popolato centro commerciale all'ora di punta di una domenica estiva, o in una piazza desolata dove una salvatrice rete wifi gratuita acconsentiva di lavorare egregiamente. Ma la maggioranza di quello che scrive nasce nella città che da più di tredici anni è la mia casa. Mi riferisco a Brindisi, posto pieno di contrasti e di aspetti che potrebbero portare a odiare di più questa città piuttosto che amarla. Come capita con le piccole realtà quando qualcuno "ce la fa" il senso di ammirazione da parte dei concittadini si esaspera e si venera il personaggio in questione. Qualche anno fa qualcuno mi nominò una band che, anche se stabilita a Roma, aveva avuta la sua genesi in questa città. Per quello sento che c'è un particolare legame che mi porterà a raccontarvi questo disco in modo leggermente diverso da quello che di solito faccio.

Una sola volta ho incontrato Alessandro Castelli, mente dietro agli Adimiron. Non so neanche quanti anni sono passati ma era una caldissima serata estiva e suo padre me lo presentò in mezzo ad una cena in circolo d'ufficiali della Marina. Era strano vedere a Brindisi qualcuno con idee musicali diverse dalle mie, qualcuno che all'epoca era riuscito già a girare un po' con la sua band non solo in Italia ma anche in giro per l'Europa. In un certo modo mi diede l'impressione che quel ragazzo stesse vivendo quello che qualche anno prima avrei potuto vivere io, quando vivevo a Madrid e suonavo in una band meravigliosa chiamata As Light Dies che di lì a poco avrebbe vissuto il suo primo tour europeo.

Da allora gli Adimiron  ne hanno fatto di strada, aprendo con certi per grandissime band, suonando in giro in diversi punti del globo terrestre, costruendo e presentando tre dischi. L'ultimo, Et Liber Eris, è quello che ha la mia attenzione in questo post. Credo che arrivare a pubblicare questo disco con una casa discografica pazzesca, come è l'Indie Recordings norvegese, sia un bellissimo punto d'arrivo. Ma per essere arrivati a quel punto c'è dietro un lavoro costante e, soprattutto, la capacitò di aver scritto un disco degno di essere diffuso a scala mondiale. 

Et Liber Eris arriva puntuale come una dichiarazione d'intenzioni, come un manifesto di quello che reputo sia non soltanto una voglia creativa ma proprio un modo d'interpretare la filosofia musicale dentro alla quale gli Adimiron si rispecchiano. Per quello questo disco può suonare molto alla "X" piuttosto che alla "Y", dove X ed Y sono una serie di gruppi che si muovono nello spettro che mette insieme progressive metal, death metal, technical metal e uno che altro genere più o meno estremo, ma, guardando approfonditamente quello che fa la band è solo quello che veramente vuole fare. Per quello le tracce di questo lavoro sembrano avere un'anima progressiva, nella complessità delle proprie strutture, nelle ritmiche inseguite, prese e mescolate, ma questo lavoro è anche un disco dotato di un certo genere di aggressività, di una personalità che viene messa alla luce con orgoglio. Aggiungiamoci un terzo mondo, che potrebbe sembrare assolutamente non in linea col secondo, cioè un aspetto melodico. Questo terzo disco della band romana è pieno zeppo di melodie che ti entrano nella testa e non ti abbandonano più. 

Come mai possiamo ritrovare tutto quanto in un singolo lavoro? Perché questo è un disco aperto, è un disco che diventa un riflesso dell'evoluzione del metal dove, per fortuna, i purismi sono cosa del passato, sotterrato sotto parecchi metri, e c'è spazio a queste aperture musicali preziose. Capiamoci, gli Adimiron non sono i primi a fare un ragionamento di questo tipo ma sono presenti con la propria, forte, voce. 

La forza di Et Liber Eris è la capacità di lasciare una traccia. C'è chi impazzirà dietro alle dissonanze della chitarra o ai riff ricercati, c'è chi vedrà nella sezione ritmica una serie di costruzioni bellissime ma c'è anche chi si ritroverà a canticchiare tra sé e sé il ritornello di una di queste canzoni o, ancora di più, a fare quello che succede a me in questi giorni, cioè costruire la mia colonna sonora attuale usando la musica degli Adimiron. La complessità di questo disco è allo stesso tempo la sua chiave.

E' difficile individuare punti più alti o altri più bassi in questo disco, per quello la selezione di brani che faccio corrisponde a quelli che, per un motivo o l'altro, più mi hanno toccato.

Il primo è Zero-Sum Game. Per chi mi ha toccato? Perché mi ricorda il tempo d'oro degli Opeth, quello di fine anni 90 e dei primi anni 2000. Quelli Opeth che hanno segnato un'epoca. Ma quando tutto sembra andare in quella direzione ecco che il brano cambia e giunge ad altre destinazioni. Oltre a tutto ciò la sezione ritmica di questo brano mi piace tantissimo, il dialogo tra batteria e basso diventa prezioso con il suo gioco di sincope, di accenti e di contrasti. 

Dicevo che un'altra componente di questo disco era quella melodica, cioè la capacità di costruire dei brani che ti rimangono impressi in testa grazie al loro carico emotivo. Il punto più alto in quel senso viene toccato con The Coldwalker. Se prima ho citato gli Opeth ora devo chiamare in causa i Leprous, perché qui siamo di fronte alla materia che i norvegesi conoscono perfettamente, vale a dire quella di dare ai propri brani una dimensione emotiva immensa, la composizioni di brani che potrebbero sembrare quasi pop ma che sono tutto tranne che quel genere, una specie di trappola mortale, sembra tutto bello ed immediato ma è come la vita: incasinata e complessa.

Sono felice che ci siano dischi come Et Liber Eris, perché il presente è il momento più bello di sempre, poco importa se nel passato sono state fatte cose meravigliose o se il futuro si prospetta luminoso. E' proprio l'adesso quello che bisogna vivere intensamente e gli Adimiron, con questo disco, ci parlano dell'adesso del metal, che è bellissimo, che è ricco, che è una promessa, quella di regalarci per anni ed anni dei dischi da consumare fino allo sfinimento. 

Voto 8,5/10

Adimiron - Et Liber Eris

Indie Recordings

Uscita 03.11.2017

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Fleshkiller - Awaken: la chiave è l'equidistanza

(Recensione di Awaken dei Fleshkiller)

Nella musica le filosofie musicali possono essere molto diverse. C'è chi ama insistere su una linea e diventare in un certo modo un riferimento imprescindibile. C'è invece chi cerca di mescolare le carte, di apportare sempre delle nuove novità a quello che viene suonato senza sbilanciarsi su un'unica direzione. Nel caso di chi decide di andare verso un unico mondo rimane sempre una sensazione di un certo fanatismo che vieta qualsiasi possibile contaminazione. Como se i punti di forza di un determinato genere fossero un elenco piccolo e quasi chiuso sui quali non è possibile dibattere. Personalmente, e chi legge da tempo questo blog lo sa bene, amo i progetti che non hanno confini, dove si cerca di fare quanto più possibile per dare una voce nuova alla musica.

Partendo dalle premesse che ho appena fatto sin da subito posso affermare che Awaken, album di debutto della band norvegese Fleshkiller, è un lavoro molto ben strutturato e molto, molto interessante. Prima di spiegare il perché di questo giudizio veloce e spontaneo c'è però da dire che i musicisti che si celano dietro a questo progetto sono tutto tranne che degli sprovveduti. Basti pensare che provengono da esperienze musicali come Extol, The Burial o Tristania. Questo può già portarci a capire che siamo di fronte ad una serie di musicisti che non stanno a "perdere tempo" ma al contrario, vogliono dare un nuovo contributo al loro mondo musicale. E com'è questo contributo? E' una nuova sfumature dentro quello che possiamo chiamare progressive death metal. I brani che compongono questo primo lavoro sono delle complesse opere d'arte che nascono dentro agli elementi più caratteristici del death metal per poi espandersi in tutta una serie di elementi che vanno dal progressivo allo sperimentale. Ed è proprio quello che rende così interessante questo disco, perché offre una nuova visione di quello che può essere la musica oggi, in concreto il death metal.

La chiave di tutto quello che c'è in Awaken è che, detto in un modo schietto, non ci sono fondamentalisti. Questo è un disco che nasce dentro al death metal ma non per quello si chiude lì, anzi, per chi segue quel genere con fervore ci sarà la sensazione di star ascoltando delle cose che non c'entrano molto con certi aspetti che sembrano essere intransigenti. Questo disco è progressivo e denota una grandissima capacità musicale di ciascuno dei componenti del gruppi ma sta ben lontano dalla pesantezza che regala la perfezione. Questo disco è sperimentale, o avanguardista, ma non ha quella caratteristica come faro principale, anzi, soltanto in certi momenti si avvicina a queste aperture. E' proprio questo modo di essere alla giusta distanza di ogni aspetto quello che finisce per regalarci un grandissimo disco. L'intenzione dei Fleshkiller sembra essere molto chiara, loro sono arrivati con questo primo disco ad un maturità che per tanti altri gruppi è frutto di anni ed anni di sviluppo e di prove. Il perché di questo sta nel fatto che tutti i componenti della band conoscono molto bene il proprio mestiere.

Awaken sarà uno di quei dischi che aprono un periodo. Un disco che può servire come riferimento a chi cerca di percorrere nuove strade suonando generi che esistono da tempo. Infatti non mi è facile pensare ad altri gruppi che abbiano fatto un disco come quello composto dai Fleshkiller. Diciamo che così come in passato certi lavori hanno fatto capire che il death metal era tutto tranne che un genere condannato alla morte questo disco fa la stessa cosa. Siamo di fronte ad un lavoro che funziona perfettamente, che aggiunge senza togliere e che ha dei momenti veramente alti. 

Per spiegare quali sono i momenti di espansione dentro alla musica della band vi porto due esempi.

Su Parallel Kingdom, brano che apre il disco, viene subito evidenziato che il death metal che ci aspetta e tutto tranne che "puro". Questo perché l'utilizzo della voce pulita registrata su più tracce da una spazialità che ricorda gruppi come i Cynic o i più recenti Astronoid. Ma se si pensa che tutto il brano andrà in quella direzione ecco che la voce distorta ci inganna e ci porta a chiederci qual è la strada della band, quando in realtà scopriremo che la strada è proprio quella, quella che non si addentra mai in un'unica direzione.

Inherit invece regala un momento di apparente riposo dove la ritmica non è più frenetica come nelle altre tracce e dove c'è spazio a elementi progressivi che sono un altro dei fattori che entra in gioco nella musica della band, ma come detto prima non c'è un caccia aperta al maggiore virtuosismo possibile, è tutto studiato e ben pensato, un modo di dare più forza ad un discorso ben chiaro.

I Fleshkiller sono una band che avrà tanto da dire nei anni a venire. Questo perché partono da un punto dove non ci sono chiusure, dove la voglia è quella di non rimanere impietriti facendo qualcosa che in tanti hanno già fatto. Awaken è un disco di debutto che sorprende per la sua sicurezza, perché parte molto, molto in alto. E dunque fissatevi in testa questo nuovo nome, perché sarà un grande protagonista del panorama attuale del metal.

Voto 8,5/10

Fleshkiller - Awaken

Indie Recordings

Uscita 15.09.2017

Pagina Facebook Fleshkiller

Pagina Bandcamp Fleshkiller

Thyrant - What We Left Behind: e tu, sai cosa ti sei lasciato indietro?

(Recensione di What We Left Behind dei Thyrant)

Uno degli aspetti più difficili da capire nella vita è il vero posto che ci aspetta. Ciò sapere che cosa siamo bravi a fare, con chi dobbiamo farlo per sviluppare ancora di più la nostra bravura. C'è chi nasce con le idee molto chiare e sin dall'inizio da i passi nella direzione prefissata. C'è chi deve vivere molte esperienze prima di capire qual è la sua strada. E c'è, purtroppo, chi si rassegna a vivere una vita che non è il riflesso di quello che ha sognato. L'augurio è che ciascuno di noi faccia quello che vuole e che la società lo consenta, un'utopia forse?

La storia degli spagnoli Thyrant è una di quelle storie che dimostra che non è mai troppo tardi. Amici di lunga data, dopo ben 20 anni suonando insieme, decisero di provare a dare sostanza alle loro idee. In breve tempo nacque il loro primo disco, What We Left Behind, che suscitò l'interesse della norvegese Indie Recording che ha deciso di pubblicare quest'opera di debutto. Mica male. La domanda è, allora, cosa c'è in questo lavoro da stuzzicare l'interesse di una casa discografica di colto che lavora con artisti interessantissimi? Adesso azzardo una risposta. Credo che quello che ha notato la Indie Recording sia quel mix di elementi che ricordano un passato musicale che ci riporta indietro di una trentina d'anni fatto con elementi assolutamente attuali. Vale a dire un disco con un'impronta "classica" ma con un suono odierno. Un disco che potrà piacere ai nostalgici del metal senza essere un disco old school, e, nello stesso momento, riceverà anche l'attenzione degli ascoltatori che cercano qualcosa di fresco. Non è facile arrivare a questo risultato e quello è il grande pregio di questo disco.

Ascoltando What We Left Behind si capisce con chiarezza che i Thyrant ne hanno consumato di metal. Si capisce anche la loro età e s'intravede quali sono i generi che hanno forgiato i loro profili da musicisti. Dobbiamo fare un salto indietro di circa trent'anni per ritrovare generi come il primo death metal, il thrash che regnava sovrano in quell'epoca e certi elementi di quell'heavy metal che ancora non si ramificava nella miriadi di generi che abbiamo quest'oggi. Ma la cosa interessante è che tutti questi generi vengono messi insieme dando vita a qualcosa di nuovo che non corrisponde ai "purismi" dell'epoca. Per quello le chitarre si divertono in armonizzazioni che, per fortuna, non sono delle copie scimmiottate dell'heavy metal classico, la voce ha un timbro che spazia tra il thrash e il death metal e la base ritmica basso e batteria è costante e concisa. Ma la cosa interessante è che abbiamo anche degli elementi propri del melodic death metal facendo capire che questo non è un disco anni 80 ma è il risultato della "digestione" di tanti elementi.

La linea sulla quale si muovono i Thyrant è molto sottile e si rischia grosso di cadere in una delle cose che personalmente odio di più, cioè la copia spudorata di generi del passato. Invece What We Left Behind ha la qualità di suonare attuale anche se le fonti sono del passato. Forse è fondamentale che il suono è quello dei 2000, che l'insieme di elementi che sono presenti in questo disco non obbediscano assolutamente a strutture rigide e che tutto ritrovi una logica propria diversa dal resto. Questo rimescolare le carte fa sì che questo sia un disco dei nostri giorni fatto da gente con un chiaro passato musicale e che non ha alcuna intenzione di nascondere.

Due brani che pesco da questo disco.

Dammed at Midnight che oltre a le chiare influenze anni 80 si tuffa anche nel melodic death metal dei 90, genere che ancora oggi suona molto attuale.

Carving the Throne. Brano di chiusura di questo disco e per certi versi quello più epico. Qua la band si distende molto di più ed evidenza quello che è la loro impronta principale accentuando ancora di più l'intreccio di generi. Ne viene fuori una bellissima traccia che prende l'ascoltatore senza lasciarli respiro. 

What We Left Behind può anche essere visto come un bilancio di quello che realmente ci siamo lasciati indietro. Non tanto intesso come le esperienze che abbiamo superato quanto l'eredità della quale spesso ci dimentichiamo. I Thyrant hanno la capacità di ricordarci che quella eredità è fatta di un insieme di cose e che bisogna prenderle tutte per guardare in avanti. Questo non è un disco nostalgico, è un disco riflessivo con vista al futuro.

Voto 7,5/10

Thyrant - What We Left Behind

Indie Recordings

Uscita 12.05.2017

Sito Ufficiale Thyrant

Pagina Facebook Thyrant

Alfahanne - Det Nya Svarta: prendimi per quel che sono

(Recensione di Det Nya Svarta degli Alfahanne)

Il cinismo può essere una dote. In un mondo dove la superficialità fa da padrone avere uno sguardo verso il mondo può essere un salvagente non indifferente. Riuscir a parlare con chiarezza, senza peli sulla lingua non sarà sicuramente il miglior modo di farci degli amici ma nessuno potrà accusarci di essere falsi. Non sto invitando tutti quanti ad essere cinici, perché in primis io non lo sono, ma dico semplicemente che chi lo è forse ha capito qualcosina in più sul nostro mondo.

Il terzo disco degli svedesi Alfahanne sa di cinismo. Intitolato Det Nya Svarta è il primo lavoro pubblicato con la Indie Recordings dopo un binomio di dischi usciti per un'altra grande casa discografica norvegese, la Dark Essence Records. Ma torno al punto essenziale, cioè quest'impronta cinica nella musica degli Alfahanne. A livello di parole ho come riferimento soltanto le osservazioni della band, che parlano del mondo che viviamo e di come affrontare la vita in queste circostanze. A livello musicale, invece, quest'idea viene fuori con chiarezza, nella spregiudicatezza con la quale la band mette insieme una serie di generi che potrebbero cozzare tra di loro dando nascita ad un loro linguaggio proprio. Una sorta di musica anarchica che non ha alcuna intenzione di camminare su dei binari prestabiliti. 

Det Nya Svarta ha un po' l'anima punk, il suono rock e lo sguardo rivolto al metal. E' tutto e non è nulla. E' contundente ma leggero allo stesso tempo. Rende perfettamente l'idea di quanto sudore butterano sui palchi gli Alfahanne, perché è quello che arriva attraverso queste note che non sono altro che l'accompagnare un movimento che nasce dentro al corpo di ogni membro di questo quartetto. Per quello le canzoni che conformano questo loro terzo LP sono quasi festose e urlano la necessità di contare con la risposta del pubblico ma se si pensa che questa festa sia superficiale e spensierata si sbaglia di grosso. C'è uno sguardo ironico, cinico, sarcastico rivolto verso tutti.

Il punto di forza di questo Det Nya Svarta sta proprio lì, nel fatto che sia un lavoro di una chiarezza d'intenti raccapricciante. Non servono metafore, interpretazioni profonde, sotto testi nascosti da interpretazione ermetica. No, la musica degli Alfahanne arriva diretta, spalancando porte che non dovrebbero uscite, senza preoccuparsi di quello che c'è dopo o di quello che c'era prima. E' un musica che urla "presente" e che deve essere presa per quello che è, ne meno ne più.

La prima traccia di questo lavoro lascia già molto chiaro cosa ci sarà dopo. Col provocatorio titolo di Satans Verser non vuole essere un brano blasfemo ma una riflessione dei nostri tempi. Musicalmente è trascinante, originale, un intreccio di voci e suoni che costruiscono questo mondo sonoro.

Mitt Mörker Är Mörkare Än Ditt invece rappresenta una piccola variazione. Non è quel fiume in piena che sono le altre canzoni. E' molto più rilassato, come se volesse essere una specie di mantra che si deve insinuare nell'ascoltatore. E' uno dei punti diversi di questo disco.

Det Nya Svarta ha personalità. E' come quelle persone preziose che sono riuscite a costruirsi un modo di essere unico, che non è paragonabile con nessun altro, con una convinzione di ferro e con la consapevolezza che non ci saranno mai dei compromessi di alcun tipo. O gli accetti così come sono o te ne vai alla larga. Ma se stai stare affianco a quelle persone riceverai una prospettiva assolutamente diversa, quindi preziosa. Teniamoci vicini gli Alfahanne.

Voto 8/10

Alfahanne - Det Nya Svarta

Indie Recordings

Uscita 07.04.2017

Pagina Facebook Alfahanne

Pagina Bandcamp Alfahanne